Ігор Федорович Стравінський |

Ігор Стравинський

…Я народився не в той час. За темпераментом і схильністю, як Бах, хоч і в іншому масштабі, я мав би жити в невідомості й регулярно творити для встановленого служіння й Бога. Я вижив у світі, в якому народився… Я вижив… незважаючи на халтуру видавців, музичні фестивалі, рекламу… І. Стравінського

... Стравінський - істинно російський композитор ... Російський дух незнищенний в серці цього воістину великого, багатогранного таланту, народженого російською землею і життєво пов'язаного з нею ... Д. Шостакович

Творче життя І. Стравінського – це жива історія музики 1959 століття. Вона, як у дзеркалі, відображає процеси розвитку сучасного мистецтва, допитливо шукаючи нових шляхів. Стравінський заслужив репутацію сміливого руйнівника традицій. У його музиці виникає безліч стилів, які постійно перетинаються і іноді важко класифікувати, за що композитор отримав від сучасників прізвисько «людина з тисячею облич». Він схожий на Чарівника з його балету «Петрушка»: вільно пересуває жанри, форми, стилі на своїй творчій сцені, ніби підпорядковуючи їх правилам власної гри. Стверджуючи, що «музика може виражати лише саму себе», Стравінський все ж прагнув жити «con Tempo» (тобто разом з часом). У «Діалогах», виданих у 63-1945 роках, він згадує вуличний шум Петербурга, гуляння Масляної на Марсовому полі, які, за його словами, допомогли йому побачити свого Петрушку. А про Симфонію в трьох частинах (XNUMX) композитор говорив як про твір, пов’язаний з конкретними враженнями від війни, зі спогадами про звірства коричневосорочників у Мюнхені, жертвою яких він сам мало не став.

Універсалізм Стравінського вражає. Це виявляється в широті охоплення явищ світової музичної культури, у розмаїтті творчих пошуків, в інтенсивності виконавської – піаністичної та диригентської – діяльності, яка тривала понад 40 років. Масштаби його особистих контактів з видатними людьми безпрецедентні. Н. Римський-Корсаков, А. Лядов, А. Глазунов, В. Стасов, С. Дягілєв, художники «Світу мистецтва», А. Матісс, П. Пікассо, Р. Роллан. Т. Манн, А. Жид, К. Чаплін, К. Дебюссі, М. Равель, А. Шенберг, П. Хіндеміт, М. де Фалья, Г. Фор, Е. Саті, французькі композитори групи Шести – ці назви деякі з них. Протягом усього життя Стравінський був у центрі загальної уваги, на перехресті найважливіших мистецьких шляхів. Географія його життя охоплює багато країн.

Дитинство Стравінського пройшло в Петербурзі, де, за його словами, «було захоплююче цікаво жити». Батьки не прагнули дати йому професію музиканта, але вся ситуація сприяла музичному розвитку. У будинку постійно звучала музика (батько композитора Ф. Стравінського був відомим співаком Маріїнського театру), була велика художня та музична бібліотека. З дитинства Стравінський захоплювався російською музикою. Десятирічним хлопчиком йому пощастило побачити П. Чайковського, якого він обожнював, присвятивши через багато років оперу «Мавра» (1922) і балет «Поцілунок феї» (1928). Стравінський назвав М. Глінку «героєм мого дитинства». Він високо цінував М. Мусоргського, вважав його «найправдивішим» і стверджував, що в його власних творах відчуваються впливи «Бориса Годунова». Дружні стосунки виникли з членами гуртка Бєляєвського, особливо з Римським-Корсаковим і Глазуновим.

Літературні інтереси Стравінського сформувалися рано. Першою справжньою подією для нього стала книга Л. Толстого «Дитинство, юність, юність», кумирами на все життя залишалися О. Пушкін і Ф. Достоєвський.

Заняття музикою почалися з 9 років. Це були уроки фортепіано. Але до серйозних професійних занять Стравінський приступив лише після 1902 року, коли, будучи студентом юридичного факультету Петербурзького університету, почав займатися у Римського-Корсакова. У той же час він зближується з С. Дягілєвим, артистами «Світу мистецтва», відвідує «Вечори сучасної музики», концерти нової музики, влаштовувані А. Сілоті. Усе це стало поштовхом для швидкого мистецького дорослішання. Перші композиторські досліди Стравінського – Соната для фортепіано (1904), вокально-симфонічна сюїта «Фавн і пастушка» (1906), Симфонія мі-бемоль мажор (1907), «Фантастичне скерцо і феєрверк» для оркестру (1908) позначені впливом школи Римського-Корсакова та французьких імпресіоністів. Проте з моменту постановки в Парижі балетів «Жар-птиця» (1910), «Петрушка» (1911), «Весна священна» (1913), замовлених Дягілєвим для «Російських сезонів», у художній творчості відбувся колосальний творчий зліт. Жанр, який Стравінський у «Він» особливо любив пізніше, оскільки, за його словами, балет — це «єдина форма театрального мистецтва, яка ставить завдання краси і нічого більше як наріжний камінь».

Тріада балетів відкриває перший – «російський» – період творчості, названий так не за місцем проживання (з 1910 р. Стравінський тривалий час жив за кордоном, а в 1914 р. оселився в Швейцарії), а завдяки особливостям Музичне мислення, що виникло в той час, глибоко сутнісно національне. Стравінський звернувся до російського фольклору, різні пласти якого дуже своєрідно переломлювалися в музиці кожного з балетів. Жар-птиця вражає буйною щедрістю оркестрових фарб, яскравими контрастами поетичної хороводної лірики та запальних танців. У «Петрушці», названій А. Бенуа «балетним мулом», звучать популярні на початку століття міські мелодії, оживає галаслива строката картина масляних гулянь, якій протистоїть самотня постать страдника. Петрушка. Давній язичницький обряд жертвопринесення визначав зміст «Священної весни», яка втілювала стихійний порив весняного оновлення, могутні сили руйнування і творення. Композитор, занурюючись у глибини фольклорної архаїки, настільки радикально оновлює музичну мову та образи, що балет справляв на його сучасників враження бомби, що розірвалася. «Гігантським маяком XX століття» назвав його італійський композитор А. Казелла.

У ці роки Стравінський інтенсивно творив, часто працюючи відразу над декількома абсолютно різними за характером і стилем творами. Це, наприклад, російські хореографічні сцени «Весілля» (1914—23), що певним чином перегукуються з «Весною священною», витончено лірична опера «Соловей» (1914). «Казка про лисицю, півника, кота і вівцю», що відроджує традиції театру скоморохів (1917), сусідить з «Оповіданням про солдата» (1918), де російський мелос вже починає нейтралізуватися, падає. у сферу конструктивізму та елементів джазу.

У 1920 році Стравінський переїхав до Франції і в 1934 році прийняв французьке громадянство. Це був період надзвичайно насиченої творчої та виконавської діяльності. Для молодшого покоління французьких композиторів Стравінський став вищим авторитетом, «музичним майстром». Проте провал його кандидатури у Французьку академію образотворчих мистецтв (1936), дедалі міцніші ділові зв’язки зі Сполученими Штатами, де він двічі успішно виступав з концертами, а в 1939 році читав курс лекцій з естетики в Гарвардському університеті – все це спонукало його переїхати на початку другої світової війни до Америки. Він оселився в Голлівуді (Каліфорнія) і в 1945 році прийняв американське громадянство.

Початок «паризького» періоду для Стравінського збігся з різким поворотом до неокласицизму, хоча в цілому загальна картина його творчості була досить строкатою. Почавши з балету «Пульчинелла» (1920) на музику Дж. Перголезі, він створив цілу серію творів у стилі неокласицизму: балети «Аполлон Мусагет» (1928), «Гральні карти» (1936), «Орфей» (1947); опера-ораторія «Цар Едіп» (1927); мелодрама «Персефона» (1938); опера «Ход грабель» (1951); Октет для духових інструментів (1923), Симфонія псалмів (1930), Концерт для скрипки з оркестром (1931) та ін. Неокласицизм Стравінського має універсальний характер. Композитор моделює різні музичні стилі епохи Ж. Б. Люллі, Й. С. Баха, К. В. Глюка, прагнучи встановити «панування порядку над хаосом». Це характерно для Стравінського, якого завжди відрізняло прагнення до суворої раціональної дисципліни творчості, яка не допускала емоційних переливів. Та й сам процес створення музики Стравінський здійснював не на примху, а «щоденно, регулярно, як людина зі службовим часом».

Саме ці якості визначили своєрідність наступного етапу творчої еволюції. У 50-60-х роках. композитор занурюється в музику добаховської епохи, звертається до біблійних, культових сюжетів, а з 1953 р. починає застосовувати жорстко конструктивну додекафонічну композиторську техніку. Священний гімн на честь апостола Марка (1955), балет «Агон» (1957), «Монумент до 400-річчя Джезуальдо ді Венози» для оркестру (1960), кантата-алегорія «Потоп» у дусі англійських містерій 1962 ст. (1966), Реквієм («Пісні про мертвих», XNUMX) – це найвизначніші твори цього часу.

Стиль Стравінського в них стає все більш аскетичним, конструктивно нейтральним, хоча сам композитор говорить про збереження у своїй творчості національних першооснов: «Я все життя говорив російською, у мене є російський стиль. Можливо, в моїй музиці це не відразу видно, але це їй притаманне, це в її прихованій природі. Одним з останніх творів Стравінського став канон на тему російської пісні «Не сосна у воріт колихалася», використаний раніше у фіналі балету «Жар-птиця».

Таким чином, завершуючи свій життєвий і творчий шлях, композитор повернувся до витоків, до музики, що уособлювала далеке російське минуле, туга за яким завжди була присутня десь у глибині серця, часом прориваючись у висловлюваннях, а особливо посилюючись після Візит Стравінського до Радянського Союзу восени 1962 року. Саме тоді він вимовив знакові слова: «У людини одне місце народження, одна батьківщина – і місце народження є головним фактором її життя».

О. Авер'янова

• Список основних творів Стравінського →