Діну Ліпатті (Dinu Lipatti) |

Діно Ліпатті

Його ім'я давно стало надбанням історії: з дня смерті митця минуло близько п'яти десятиліть. За цей час зійшло і зайшло багато зірок на концертних сценах світу, виросло кілька поколінь видатних піаністів, утвердилися нові течії у виконавському мистецтві – ті, які прийнято називати «сучасним виконавським стилем». А між тим, спадщина Діну Ліпатті, на відміну від спадщини багатьох інших великих художників першої половини нашого століття, не вкрилася «музейністю», не втратила своєї чарівності, своєї свіжості: виявилося бути поза модою, і більше того, не тільки продовжує хвилювати слухачів, але й впливає на нові покоління піаністів. Його записи не є предметом гордості для колекціонерів старих дисків – вони перевидаються знову і знову, розкуповуються миттєво. Все це відбувається не тому, що Ліпатті цілком міг би бути серед нас, бути в розквіті сил, якби не нещадна хвороба. Причини глибші – у самій суті його нестаріючого мистецтва, у глибокій правдивості почуття, ніби очищеного від усього зовнішнього, скороминущого, що помножує силу впливу таланту музиканта і в цей час дистанції.

Небагатьом художникам вдалося залишити такий яскравий слід у пам'яті людей за такий короткий час, відведений їм долею. Особливо якщо згадати, що Ліпатті аж ніяк не був вундеркіндом у загальноприйнятому розумінні цього слова і відносно пізно почав широку концертну діяльність. Він ріс і розвивався в музичній атмосфері: його бабуся і мати були чудовими піаністами, батько був пристрасним скрипалем (навіть брав уроки у П. Сарасате і К. Флеша). Одним словом, не дивно, що майбутній музикант, ще не знаючи абетки, вільно імпровізував на піаніно. Дитяча веселість химерно поєднувалася в його нехитрих композиціях з дивовижною серйозністю; таке поєднання безпосередності почуття і глибини думки збереглося й пізніше, ставши характерною рисою зрілого митця.

Першим учителем восьмирічного Ліпатті був композитор М. Жора. Виявивши в учня виняткові піаністичні здібності, він у 1928 році передав його відомому педагогу Флоріці Музичеській. У ті ж роки у нього з'явився ще один наставник і покровитель - Джордже Енеску, який став «хрещеним батьком» молодого музиканта, уважно стежив за його розвитком і допомагав йому. У віці 15 років Ліпатті з відзнакою закінчив Бухарестську консерваторію і незабаром отримав премію Енеску за свій перший великий твір, симфонічні картини «Четрарі». Тоді ж музикант вирішив взяти участь у Міжнародному конкурсі піаністів у Відні, одному з наймасовіших за кількістю учасників в історії конкурсів: тоді до австрійської столиці приїхало близько 250 артистів. Ліпатті був другим (після Б. Кона), але багато членів журі назвали його справжнім переможцем. А. Корто навіть залишив журі на знак протесту; у всякому разі, він негайно запросив румунську молодь до Парижа.

У столиці Франції Ліпатті прожив п'ять років. Удосконалювався у А. Корто та І. Лефебура, відвідував клас Надії Буланже, брав уроки диригування у К. Мюнша, композиції у І. Стравінського та П. Дюка. Буланже, який виховав десятки великих композиторів, сказав про Ліпатті так: «Справжнім музикантом у повному розумінні цього слова можна вважати того, хто повністю віддається музиці, забуваючи про себе. Можу сміливо сказати, що Ліпатті – один із таких художників. І це найкраще пояснення моєї віри в нього». Саме з Буланже Ліпатті зробив свій перший запис у 1937 році: танці Брамса в чотири руки.

Тоді ж почалася концертна діяльність артиста. Вже перші його виступи в Берліні та містах Італії привернули загальну увагу. Після паризького дебюту критики порівнювали його з Горовицем і в один голос пророкували йому блискуче майбутнє. Ліпатті побував у Швеції, Фінляндії, Австрії, Швейцарії, і всюди мав успіх. З кожним концертом його талант відкривався новими гранями. Цьому сприяла його самокритичність, його творчий метод: перш ніж винести свою інтерпретацію на сцену, він досяг не лише досконалого володіння текстом, а й повного злиття з музикою, що призвело до найглибшого проникнення в авторську творчість. намір.

Характерно, що лише в останні роки він почав звертатися до спадщини Бетховена, а раніше вважав себе не готовим до цього. Одного разу він зазначив, що йому знадобилося чотири роки, щоб підготувати П'ятий концерт Бетховена або Перший Чайковського. Звичайно, це говорить не про його обмежених здібностях, а лише про надзвичайну вимогливість до себе. Але кожен його виступ – це відкриття чогось нового. Зберігаючи сувору вірність авторському тексту, піаніст завжди відзначав інтерпретацію «фарбами» своєї індивідуальності.

Однією з таких ознак його індивідуальності була дивовижна природність фрази: зовнішня простота, ясність понять. При цьому для кожного композитора він знаходив особливі фортепіанні барви, які відповідали його власному світогляду. Його Бах прозвучав як протест проти худого «музейного» відтворення великого класика. «Хто насмілиться думати про цимбало, слухаючи Першу партиту у виконанні Ліпатті, сповнену такої нервової сили, такого мелодійного легато й такої аристократичної грації?» — вигукнув один із критиків. Моцарт привернув його, перш за все, не витонченістю і легкістю, а хвилюванням, навіть драматизмом і силою духу. «Жодних поступок галантному стилю», — ніби говорить його гра. Це підкреслюється ритмічною строгістю, злим педалюванням, енергійним штрихом. У цій же площині лежить і його розуміння Шопена: ніякої сентиментальності, сувора простота і водночас – величезна сила почуття…

Друга світова війна застала артиста у Швейцарії, на чергових гастролях. Він повернувся на батьківщину, продовжив виступати, складати музику. Але задушлива атмосфера фашистської Румунії придушила його, і в 1943 році йому вдалося виїхати до Стокгольма, а звідти до Швейцарії, яка стала його останнім притулком. Керував виконавським відділом і класом фортепіано в Женевській консерваторії. Але саме в той момент, коли закінчилася війна і перед художником відкрилися блискучі перспективи, з’явилися перші ознаки невиліковної хвороби – лейкемії. З гіркотою пише він своєму вчителеві М. Жорі: «Коли я був здоровий, боротьба з нуждою була стомлюючою. Зараз, коли я захворів, є запрошення з усіх країн. Я підписав контракти з Австралією, Південною та Північною Америкою. Яка іронія долі! Але я не здаюся. Я буду боротися незважаючи ні на що».

Боротьба тривала роками. Тривалі гастролі довелося скасувати. У другій половині 40-х років він майже не покидав Швейцарії; виняток становили його поїздки до Лондона, де він дебютував у 1946 році разом з Г. Караяном, виконавши під його керівництвом Концерт Шумана. Пізніше Ліпатті ще кілька разів їздив до Англії для запису. Але в 1950 році він уже не міг витримати навіть такої поїздки, і фірма I-am-a прислала до нього в Женеву свою «команду»: за кілька днів, ціною найбільших зусиль, 14 вальсів Шопена, Записано сонату Моцарта (№ 8), партиту Баха (сі-бемоль мажор), 32-гу мазурку Шопена. У серпні він востаннє виступав з оркестром: звучав Концерт Моцарта (No 21), за п’єдесталом був Г. Караян. А 16 вересня Діну Ліпатті попрощався з глядачами в Безансоні. У програмі концерту були партита сі-бемоль мажор Баха, соната Моцарта, два експромти Шуберта та всі 14 вальсів Шопена. Зіграв лише 13 – останнього вже не вистачило. Але натомість, розуміючи, що він більше ніколи не буде на сцені, артист виконав Хорал Баха в обробці для фортепіано Майри Гесс… Запис цього концерту став одним із найзахоплюючих, драматичних документів в історії музики нашого століття…

Після смерті Ліпатті його вчитель і друг А. Корто писав: «Любий Діну, ваше тимчасове перебування серед нас не тільки висунуло вас за загальною згодою на перше місце серед піаністів вашого покоління. У пам’яті тих, хто Вас слухав, Ви залишаєте впевненість, що якби доля не була такою жорстокою до Вас, то Ваше ім’я стало б легендою, прикладом самовідданого служіння мистецтву. Час, що минув з тих пір, показав, що мистецтво Ліпатті залишається таким прикладом і досі. Його звукова спадщина порівняно невелика – лише близько дев’яти годин записів (якщо рахувати повтори). Крім згаданих творів, йому вдалося зафіксувати на платівках такі концерти Баха (№ 1), Шопена (№ 1), Гріга, Шумана, п’єси Баха, Моцарта, Скарлатті, Ліста, Равеля, власні композиції – Концертіно в класичному стилі та Соната для лівих рук… Це майже все. Але кожен, хто познайомиться з цими записами, неодмінно погодиться зі словами Флоріки Музическу: «Артистичне мовлення, з яким він звертався до людей, завжди захоплювало слухачів, захоплює і тих, хто слухає його гру на платівці».

Григор'єв Л., Платек Я.